Netflix semble avoir endigué l’hémorragie de ses abonnés, annonçant lors de son appel aux résultats du deuxième trimestre qu’il n’avait perdu que 970 000 abonnés au cours du trimestre (le service s’attendait apparemment à en perdre beaucoup plus que cela). Si vous vous en tenez au service, nous vous recommandons de capturer ces 30 productions Netflix originales. Après tout, qui a le temps de tout parcourir à la recherche d’un divertissement qui en vaut vraiment la peine ?

Cela dit, nous commencerons cette liste avec une nouvelle production Netflix que, malgré sa puissance de star, nous vous recommandons vivement de sauter.

Mise à jour le 22 juillet 2022 pour ajouter les dernières recommandations de Jeff. Les premiers choix de Jeff suivent, à commencer par Apollo 10 1/2: A Space Age Childhood.

Tête d’araignée

Steve Abnesti (Chris Hemsworth) effectue des tests de dépistage de drogue étranges et sinistres sur les détenus de Spiderhead.

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Pour un spectateur occasionnel, Spiderhead (2022) de Joseph Kosinski peut sembler être un conte de science-fiction axé sur les étoiles, juste assez bien fait pour satisfaire sans laisser d’impression durable. Si l’on connaît la superbe nouvelle sur laquelle il est basé, "Escape from Spiderhead", de George Saunders (de sa magistrale collection Tenth of December de 2013), elle suscite une réaction différente. À l’exception (sans surprise) de la fin, le film suit l’histoire de près, tout en manquant presque entièrement son point profondément cynique.

Jeff (Miles Teller) et Lizzy (Jurnee Smollett) sont des prisonniers qui purgent leur peine dans un centre de dépistage de drogue. Steve Abnesti (Chris Hemsworth) leur donne tout, de la drogue pour les faire tomber amoureux, à "Darkenfloxx", qui provoque une angoisse indicible. Après une série ironique de tests de références croisées, Jeff se rend compte de la véritable nature sinistre du lieu et décide de prendre des mesures drastiques. Le réalisateur Kosinski, dont Top Gun: Maverick brûle toujours les salles, ne peut pas tout à fait donner à celui-ci la même impulsion.

Agitation

Le dépisteur professionnel de basket-ball Stanley Sugerman (Adam Sandler, à droite) regarde la nouvelle recrue Bo Cruz (Juancho Hernangómez) faire un lay-up dans Hustle.

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Adam Sandler a eu l’un de ses meilleurs rôles récents dans Uncut Gems, une tour Jenga anxieuse et nerveuse d’une performance qui vous a laissé essoré. Il maintient ce niveau de qualité dans l’excellent Hustle (2022), heureusement à un rythme beaucoup plus détendu. Dans un film qui intègre l’amour de toujours de Sandler pour le basket-ball, il incarne Stanley Sugerman, un dépisteur des Philadelphia 76ers, qui a été sur la route trop longtemps, a mangé trop de malbouffe et a raté la vie avec sa femme (Queen Latifah). et sa fille adolescente (Jordan Hull). Enfin, le propriétaire de l’équipe (Robert Duvall) donne sa chance à Stanley avec un poste d’entraîneur adjoint. Malheureusement, le personnage de Duvall meurt subitement, laissant l’équipe entre les mains de son fils impitoyable (Ben Foster), qui renvoie Stanley sur la route.

En Espagne, Stanley rencontre le jeune Bo Cruz (Juancho Hernangómez), qui pourrait bien être son ticket de retour. Hustle est un drame sportif résolument démodé, mais doté d’une dose de vie organique qui lui donne une sensation de fraîcheur constante. Recherchez une série de stars de la NBA réelles, dont Seth Curry, Julius Irving et Charles Barkley.

La bête de la mer

Jacob et Maisie affrontent la créature marine géante Red Bluster dans l’aventure animée The Sea Beast.

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Réalisé et co-écrit par Chris Williams (Moana et Big Hero 6), l’aventure animée The Sea Beast (2022) a certains points communs avec la série How to Train Your Dragon mais est un peu plus audacieuse dans ses thèmes, et plus tactile dans sa présentation physique. Un navire appelé The Inevitable – dirigé par le croustillant Captain Crow (exprimé par Jared Harris) et sa première compagne renfrognée Sarah Sharpe (exprimée par Marianne Jean-Baptiste) – est chargé de chasser des monstres marins géants. Le capitaine est presque prêt à transmettre son manteau à son fils adoptif Jacob (exprimé par Karl Urban), mais lors de ce voyage, un jeune passager clandestin, Maisie (exprimé par Zaris-Angel Hator), bouleverse les choses. Elle et Jacob découvrent que la bête connue sous le nom de Red Bluster ne signifie en fait aucun mal.

La superbe animation capture la sensation de la mer; la taille, le poids et la texture du monstre ; et plein d’autres détails saisissants. Au cours du dénouement final, l’histoire assimile subtilement les monstres – innocents mais dépeints par ceux au pouvoir comme dangereux – aux immigrants, créant un impact émotionnel plutôt que contextuel.

Arbres de la paix

(De gauche à droite) Mutesi (Bola Koleosho), Jeannette (Charmaine Bingwa), Annick (Eliane Umuhire) et Peyton (Ella Cannon) se cachent dans une cave alimentaire pendant le génocide rwandais de 1994 dans Trees of Peace.

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Trees of Peace (2022) d’Alanna Brown est l’un des films les plus déchirants que vous verrez jamais, inspirant les téléspectateurs à se pelotonner en boule serrée, à la fois physiquement et émotionnellement, mais son pouvoir est indéniable et ses récompenses sont nombreuses. Cela se passe en 1994 au Rwanda, lorsque le peuple hutu a commencé à tuer le peuple tutsi, en masse, déclenchant un génocide. (Selon une première analyse, la haine a été attisée entre les deux groupes par les colonisateurs belges.) Quatre femmes échappent aux tueries en se cachant dans une petite cave à nourriture, équipée d’une minuscule fenêtre, car ce qu’elles espèrent ne durera que quelques jours.. Au fil du temps, leurs histoires sortent.

Annick (Eliane Umuhire) est enceinte après plusieurs fausses couches, Sœur Jeannette (Charmaine Bingwa) est nonne et enseignante, Mutesi (Bola Koleosho) — avec du sang partout sur son col — est cynique et hostile, et Peyton (Ella Cannon) est une volontaire d’Amérique avec un passé sombre. Les femmes se disputent, parlent, racontent des histoires, se soutiennent et essaient généralement de survivre, tandis que Brown équilibre habilement la peur existentielle avec de petits moments d’espoir.

Voici les recommandations précédentes de Jeff, présentées par ordre alphabétique.

Apollo 10½ : une enfance à l’ère spatiale

Pendant la course à l’espace, le jeune Stanley est choisi par la NASA pour être le premier garçon à marcher sur la lune dans Apollo 10½: A Space Age Childhood.

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Ce grand cinéaste Richard Linklater revient avec cette histoire de passage à l’âge adulte chaleureuse et amusante, quelque peu basée sur sa propre enfance à Houston, au Texas, pendant la course à l’espace. Apollo 10½: A Space Age Childhood (2022) est présenté dans un format animé similaire à la technique du rotoscope utilisée par Linklater pour sa Waking Life et A Scanner Darkly.

Avec un Jack Black sur place racontant l’histoire d’un point de vue adulte, il raconte l’histoire de Stanley, qui est choisi par la NASA pour être le premier enfant à marcher sur la lune (ils ont fait une erreur et ont construit un cockpit trop petit pour un adulte). Dans et autour de cette histoire imaginaire se trouve un portrait vivant de l’époque, de la nourriture, des voitures, des divertissements et de la vie de famille, ainsi que de l’excitation (et de l’ennui) de regarder l’alunissage à la télévision. Le film a une sensation lâche et affectueuse, pas très différente de Dazed and Confused de Linklater, mais plus proche de School of Rock en termes de convivialité pour la famille.

Atlantiques

Ada (Mame Bineta Sane) est aux prises avec la disparition de son amant dans Atlantics.

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Ce beau film sénégalais – en wolof et en français sous-titré en anglais – est une tragédie romantique à l’ancienne qui aurait pu être écrite pour un film muet, un commentaire social et une histoire de fantômes surnaturels, tout en même temps. Souleiman (Ibrahima Traoré) et plusieurs collègues partageant les mêmes idées décident de prendre un bateau pour l’Espagne à la recherche de meilleures opportunités de travail. Il laisse derrière lui son véritable amour, Ada (Mame Bineta Sane), qui est sur le point d’épouser le riche Omar (Babacar Sylla). Le jour de leur mariage, leur lit prend feu et un détective, Issa (Amadou Mbow), est chargé d’enquêter sur l’affaire en tant qu’incendie criminel potentiel.

Pendant ce temps, à la tombée de la nuit, plusieurs personnes semblent être possédées par des esprits, leurs yeux se transformant en orbes blanches. Réalisé par Mati Diop – qui est devenue la première femme noire avec un film en compétition au Festival de Cannes – Atlantique (2019) est calme et poétique, voyant ses images avec un regard éthéré et parcourant les fils de son histoire familière avec un nouveau genre de mystère.

La babysitter

Bella Thorne, Robbie Amell et la baby-sitter Samara Weaving surprennent un garçon de 12 ans lors d’une nuit des plus inhabituelles dans The Babysitter.

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Le réalisateur McG (Charlie’s Angels) applique parfaitement son style de machine à chewing-gum à l’original de Netflix The Babysitter (2017), une histoire d’horreur pop-corn sur un garçon de 12 ans, Cole (Judah Lewis), dont les parents embauchent toujours une baby-sitter pour lui. La magnifique blonde Bee (Samara Weaving) adore Cole et le protège même des intimidateurs. Mais après qu’il soit censé être au lit, Cole se faufile pour espionner Bee et ses amis et découvre des vérités troublantes.

Le reste de la distribution sont des « types » hilarants ; c’est-à-dire la pom-pom girl sexy (Bella Thorne), la fille gothique (Hana Mae Lee), le mec noir (Andrew Bachelor) et le mec sexy torse nu (Robbie Amell). The Babysitter est essentiellement un film de poursuite, mais énergique, sexy, sombrement drôle et constamment créatif, avec une sensation fluide d’espace et de mouvement, ainsi que beaucoup de sang. Leslie Bibb et Ken Marino jouent les parents de Cole.

La ballade de Buster Scruggs

Le flingueur chanteur Buster (Tim Blake Nelson) est le sujet de l’un des six contes occidentaux étranges dans La ballade de Buster Scruggs de Joel et Ethan Coen.

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Les incroyables frères Coen, Joel et Ethan, proposent ce western d’anthologie avec six histoires étranges, allant de l’hilarant – Tim Blake Nelson en tireur d’élite verbeux dans l’histoire du titre – à l’inquiétant ; c’est-à-dire Liam Neeson et Harry Melling dans "Meal Ticket", à propos d’un acteur sans bras et sans jambes.

James Franco est très drôle dans un épisode magnifiquement construit sur le fait de se retrouver au mauvais bout d’une corde, Brendan Gleeson joue un cavalier sur une diligence dont la destination est incertaine, Zoe Kazan joue le rôle d’une femme troublée dans un wagon, et Tom Waits apparaît dans un épisode merveilleux, "All Gold Canyon", fidèlement adapté d’une histoire de Jack London, bien que le gazouillis graveleux de Waits de la chanson "Mother Macree" pendant qu’il travaille n’est probablement pas quelque chose que Londres envisageait.

La ballade de Buster Scruggs (2018) est aussi belle que les autres westerns True Grit et No Country for Old Men des Coens, mais elle est aussi sombre et mystérieuse que Barton Fink.

Bêtes d’aucune nation

Le redoutable commandant (Idris Elba) contrôle une armée d’enfants africains perdus dans Beasts of No Nation.

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Le tout premier film en streaming original de Netflix, Beasts of No Nation (2015) de Cary Joji Fukunaga a suscité une vive controverse lors de son arrivée; certaines chaînes de cinéma l’ont boycotté, puis (peut-être à cause de cela), le film n’a reçu aucune nomination aux Oscars, provoquant une indignation face au manque de diversité culturelle (#OscarsSoWhite). Mais tout cela mis à part, le film lui-même est une centrale électrique: brutal, rythmé et toujours quelque peu optimiste.

Abraham Attah donne une performance étonnante dans le rôle d’Agu, un jeune garçon pris dans une guerre civile africaine. Lorsque son père et son frère sont tués, il court dans la jungle et est découvert par une bande de soldats de la guérilla, la plupart d’entre eux à peine plus âgés qu’Agu, et dirigés par le redoutable commandant (Idris Elba). Le commandant assure leur survie, mais les expose également à des horreurs choquantes. Dans un moment déchirant, nous voyons comment Agu est devenu engourdi: rire et jouer à des jeux alors que des hommes se font tirer dessus derrière lui. La création d’Elbe est monstrueuse, fière, vaine et vile, et l’acteur a reçu de nombreuses autres nominations et récompenses pour sa performance.

Bo Burnham : à l’intérieur

Le comique et auteur-compositeur Bo Burnham interprète seul tout un spécial de l’ère de la pandémie pendant son verrouillage dans Bo Burnham: Inside. (

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Il y aura sans doute beaucoup de choses écrites, enregistrées et filmées sur la pandémie de COVID-19, mais Bo Burnham: Inside (2021) sera parmi les plus pénétrantes. L’ancien comique de stand-up devenu réalisateur (Eighth Grade) et acteur (Promising Young Woman) était sur le point de remonter sur scène lorsque la pandémie a frappé, alors il a créé cette collection de chansons et de sketchs drôles et sombres et d’effets d’éclairage intelligents entièrement en sa maison, entièrement par lui-même.

Il y a des rires ici, mais Inside est en grande partie une plongée décourageante dans une psyché souffrante, aussi puissante que Pink Floyd The Wall. Il est impossible de dire où commence le tourbillon créatif de Burnham et où se termine sa descente dans la folie anxieuse, mais cela ressemble à un véritable déchargement sans entrave de l’âme.

Avec 5 Sangs

(De gauche à droite) Isiah Whitlock Jr., Norm Lewis, Clarke Peters, Delroy Lindo et Jonathan Majors cherchent un trésor enfoui au Vietnam dans Da 5 Bloods de Spike Lee.

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Da 5 Bloods (2020), la grandiose aventure de chasse au trésor de Spike Lee au Vietnam, regorge de thèmes pleins de sang et de fureur vertueuse. Quatre copains de guerre qui ont combattu au Vietnam se réunissent, officiellement pour localiser les restes de leur chef d’escouade bien-aimé (joué dans des flashbacks par Chadwick Boseman), mais officieusement pour récupérer une cache d’or enterré. Les cinq sont: le tourmenté et en colère Paul (Delroy Lindo, dans une grande et féroce performance), le gentil Otis (Clarke Peters), le colombe Eddie (Norm Lewis) et le décontracté Melvin (Isiah Whitlock Jr.) .

Dans son breuvage capiteux, Lee jette des mines terrestres enfouies depuis longtemps, un vieux temple de la jungle, un chapeau MAGA, Black Lives Matter, Martin Luther King Jr., l’implication de soldats noirs dans une guerre blanche et des révélations choquantes sur la guerre elle-même. La partition nominée aux Oscars de Terence Blanchard – épaisse et somptueuse, sonnant comme la beauté et le chagrin entrelacés – rend la production encore plus lyrique.

Dolémite est mon nom

Rudy Ray Moore (Eddie Murphy) tente de faire un film à petit budget dans Dolemite Is My Name.

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Le biopic Dolemite Is My Name (2019), écrit par les maîtres du biopic, Scott Alexander et Larry Karaszewski (Ed Wood, The People vs Larry Flynt, Man on the Moon, Big Eyes), se concentre sur ce que certains pourraient considérer comme un talent marginal, Rudy Ray Moore. C’était un musicien et comédien en difficulté qui trouve enfin un succès avec son personnage "Dolemite" et décide de faire son propre film à petit budget, quel que soit son talent ou son savoir-faire.

Eddie Murphy donne une performance magistrale en tant que Moore, l’un des meilleurs de sa carrière, trouvant des moments de fierté, d’humanité et d’humilité dans le personnage décalé. Wesley Snipes est hilarant en tant que réalisateur douteux D’Urville Martin, mais Da’Vine Joy Randolph, en tant qu’interprète Lady Reed, est la clé de tout. Le jour de la première, elle dit à Rudy: «Je n’avais jamais vu personne qui me ressemblait là-haut sur ce grand écran », et c’est un moment pour les âges.

El Camino: un film Breaking Bad

Jesse Pinkman (Aaron Paul) trouve une fin à son histoire dans El Camino: A Breaking Bad Movie, la coda de la grande série télévisée.

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Certainement l’une des plus grandes séries télévisées de tous les temps, Breaking Bad s’est achevée presque parfaitement en 2013, mais quelques années plus tard, Vince Gilligan proposait cette coda de 122 minutes. Essentiellement, il détaille Jesse Pinkman (Aaron Paul) s’échappant de ses ravisseurs et passant tout le film à essayer de se débarrasser de Dodge. Et c’est tout.

Le film El Camino: A Breaking Bad (2019) est peut-être presque totalement inutile, et on a l’impression que pratiquement rien ne s’y passe, et pourtant c’est comme un néo-western captivant et magistral, faisant des utilisations incroyables d’espaces clairsemés, vastes et hostiles et créant des tensions ondulantes et des cascades émotionnelles. Certains anciens visages familiers, dont Badger (Matt Jones), Skinny Pete (Charles Baker) et Mike Ehrmantraut (Jonathan Banks), apparaissent, ainsi que de nouveaux; Robert Forster, qui, étonnamment, est décédé le jour de la première, est formidable.

Trilogie de la rue de la peur

Samantha (Olivia Scott Welch) et Deena (Kiana Madeira) se retrouvent sous la malédiction d’une sorcière meurtrière de 300 ans dans la trilogie Fear Street.

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Basés sur une série de romans pour jeunes adultes de RL Stine et réalisés par Leigh Janiak (Honeymoon), les trois films de Fear Street réalisent l’astuce de se sentir comme des histoires YA, mais en incluant du gore adulte pour plaire aux fans d’horreur plus sophistiqués. Fear Street: Part One – 1994 met en place l’histoire d’une sorcière séculaire, "Sarah Fier", qui possède les corps d’adolescents et se déchaîne meurtrière (accompagnée de quelques airs de rock alternatif cool et vintage).

Fear Street: Part Two – 1978 est un film de camp d’été avec des chaussettes hautes (pensez à Meatballs meet Friday the 13th). Et Fear Street: Part Three – 1666 transporte tous les acteurs dans le temps, jouant des incarnations antérieures d’eux-mêmes et emballant ingénieusement les choses.

Le jeu de Gérald

À la mort de son mari, Jesse (Carla Gugino) est piégée, menottée à un lit dans une maison isolée au bord du lac, dans Gerald’s Game.

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Le roi de l’horreur Netflix, Mike Flanagan est l’homme derrière Before I Wake and Hush, ainsi que la série The Haunting of Hill House. Son Gerald’s Game (2017) est sûrement l’une des meilleures adaptations de Stephen King de ces dernières années. Situé presque entièrement dans une chambre, il fait écho à Misery, mais raconte sa propre histoire incroyable, avec ses propres rebondissements psychologiquement puissants.

Jessie (Carla Gugino) et son mari Gerald (Bruce Greenwood) se rendent dans une maison isolée au bord du lac pour un week-end de sexe, mais juste au moment où Gerald commence à devenir inconfortablement pervers, il meurt d’une crise cardiaque, laissant Jessie menottée au lit. Un chien errant entre en scène (nuances de Cujo), et Jessie commence à parler d’apparitions d’elle-même et de son mari, et à vivre des souvenirs de son enfance qui se rapportent d’une manière ou d’une autre à sa situation actuelle. Pire, elle commence à voir un monstre, une grande chose portant une boîte d’os, dans le coin sombre. De nombreux films d’horreur laissent tomber la balle avant la fin, mais Flanagan voit celui-ci déboucher sur une conclusion logique, humaniste et satisfaisante.

Sa maison

Le réfugié soudanais Bol (Sope Dirisu) commence à voir des choses étranges après avoir émigré en Angleterre dans sa maison.

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Ce film d’horreur dévastateur, réalisé par Remi Weekes, raconte l’histoire d’un couple, Bol (Sope Dirisu) et Rial (Wunmi Mosaku), qui fuient le Soudan du Sud pour une nouvelle vie en Angleterre. Ils perdent leur fille en cours de route, apprend-on, et ils sont placés dans une maison misérable, où ils doivent vivre selon plusieurs règles strictes ou être expulsés. Bol essaie de s’intégrer, tandis que Rial continue d’embrasser ses traditions. Mais bientôt, des esprits effrayants apparaissent dans la maison, et avant longtemps, Bol déchire le papier peint et frappe les cloisons sèches pour arrêter le tourment.

Rempli de visions étranges, de représentations puissantes de clivages culturels et d’une narration impeccable, His House (2020) a un flux confiant, nous plaçant juste là avec ce couple souffrant, alors qu’il dévoile lentement leur véritable histoire et la vraie raison d’un apeth (nuit sorcière) les a suivis. Et c’est aussi très effrayant.

La maison

(De gauche à droite) La locataire Jen (exprimée par Helena Bonham Carter) tente de convaincre la propriétaire Rosa (exprimée par Susan Wokoma) de choses plus importantes que le loyer dans The House.

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Le très étrange animé en stop-motion The House (2022) était à l’origine destiné à être une série, mais trois épisodes ont plutôt été montés en un long métrage. Dans le premier segment, une famille d’humains vivant dans la pauvreté se voit offrir la possibilité d’emménager gratuitement dans une immense maison, mais les parents deviennent obsédés par l’endroit, au point d’ignorer leurs enfants. Dans le second, une souris en costume a passé sa vie à réparer une belle maison à vendre, pour la trouver habitée par des invités indésirables. Dans le troisième et meilleur segment, un chat a du mal à percevoir le loyer et à réparer son immeuble en ruine, tandis que les eaux de crue montent à l’extérieur.

Le ton ici est souvent étrange et dérangeant, mais parfois intelligent et beau aussi. La dramaturge irlandaise Enda Walsh a écrit le scénario et Mia Goth, Matthew Goode, Miranda Richardson et Helena Bonham Carter, entre autres, fournissent des voix off.

Je ne me sens plus chez moi dans ce monde

Tony (Elijah Wood) et Ruth (Melanie Lynskey) ont pour mission de retrouver l’ordinateur volé de Ruth et d’attraper les voleurs dans Je ne me sens plus chez moi dans ce monde.

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La merveilleuse et méconnue actrice néo-zélandaise Melanie Lynskey joue dans I Don’t Feel at Home in This World Anymore (2017) en tant que Ruth Kimke, une infirmière auxiliaire qui passe une très mauvaise journée. Une patiente meurt devant elle (après des derniers mots méchants et vulgaires), un homme dans un bar gâche un énorme rebondissement dans un livre qu’elle est en train de lire et, pour couronner le tout, sa maison est cambriolée. Les flics ne font rien d’autre que la gronder pour ne pas s’être enfermée plus fort, mais lorsque son téléphone indique l’emplacement de son ordinateur portable volé, elle fait appel à un voisin farfelu, Tony (un parfait Elijah Wood), qui possède une collection de ninja lanceurs d’étoiles, pour l’aider. récupérer. Les deux trouvent des indices menant au reste de ses biens volés, principalement l’argenterie de sa grand-mère, mais les choses prennent une tournure très étrange.

Il s’agit des débuts en tant que réalisateur de l’acteur Macon Blair (Blue Ruin et Green Room) ; Blair a également écrit le scénario, et il traite avec ruse et hilarité des peines et des recherches les plus banales de la vie, le genre de choses que la plupart des films ignorent tout simplement. Le changement de ton du film de sa première moitié à sa seconde peut être choquant, mais il est aussi étrangement satisfaisant.

Je pense mettre fin aux choses

17 Jessie Buckley joue une jeune femme piégée dans une soirée étrange dans Je pense à la fin des choses.

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Le scénariste unique en son genre Charlie Kaufman (Being John Malkovich, Adaptation, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) propose son troisième film en tant que réalisateur (après Synecdoche, New York et Anomalisa), un sujet sinueux, décalé et onirique sur une femme (Jessie Buckley) qui se rend avec son petit ami Jake (Jesse Plemons) chez ses parents pour le dîner. Ils ont d’étranges conversations existentielles dans la voiture. Ensuite, les parents (Toni Collette et David Thewlis) et un chien semblent vieillir en avant et en arrière, et la nourriture est consommée puis non consommée.

Sur le chemin du retour, ils s’arrêtent pour un milk-shake, puis à l’ancienne école de Jake, où travaille un concierge effrayant et où un numéro musical se produit ! Kaufman habite pleinement le monde instable et décentré de I’m Thinking of Ending Things (2020) avec à la fois intelligence et chaleur de caractère. Le film a cependant raison, et le roman sur lequel il est basé, de Iain Reid, pourrait offrir quelques indices.

Le fond noir de Ma Rainey

Le trompettiste Levee (Chadwick Boseman, à gauche) fait partie d’une session d’enregistrement troublée dirigée par la chanteuse de blues Ma Rainey (Viola Davis) dans Ma Rainey’s Black Bottom.

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Produit par Denzel Washington, Ma Rainey’s Black Bottom (2020) est la deuxième des pièces d’August Wilson à être adaptée à l’écran, après les propres Fences de Washington. C’est un film incroyable, bien plus dynamique que la plupart des adaptations de pièces de théâtre, et qui dure 94 minutes en sautant, en piétinant et en transpirant.

Dans les années 1920, la chanteuse de blues Ma Rainey (Viola Davis) et son groupe arrivent pour graver quelques faces dans un studio d’enregistrement tenu par des blancs à Chicago. Dans son maquillage d’ours panda et ses sinistres dents en or, Ma est une figure féroce, exerçant un certain pouvoir, mais uniquement pour sa gratification immédiate, et la performance de Davis est magistrale. Encore plus puissante est l’œuvre finale de l’incomparable Chadwick Boseman dans le rôle du trompettiste fanfaron Levee. Le réalisateur George C. Wolfe utilise les espaces du studio, ses hautes fenêtres, son sous-sol humide et une porte mystérieuse, dans le cadre du tissu du film, toutes les pièces s’emboîtant alors qu’il chante à travers sa rage.

Histoire de mariage

Nicole (Scarlett Johansson) et Charlie Barber (Adam Driver) luttent avec leur relation et leur fils Henry dans Marriage Story.

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Les drames new-yorkais quasi intellectuels de Noah Baumbach doivent généralement plus qu’un peu à Woody Allen et sont souvent anxieux et irritants, mais pour ce film, il a creusé beaucoup plus profondément et a frappé quelque chose de plus honnête. Et, avec des acteurs plus cool (Adam Driver et Scarlett Johansson), plutôt que, disons, les nerveux Ben Stiller et Dustin Hoffman dans l’autre film Netflix de Baumbauch (The Meyerowitz Stories), Marriage Story (2019) atteint un centre émotionnel véritablement touchant.

Driver et Johansson incarnent un couple de showbiz new-yorkais – il est metteur en scène de théâtre et elle est actrice de cinéma – dont la relation commence à s’effondrer, même s’ils s’aiment encore plus ou moins. Le film documente les hauts et les bas du processus de leur séparation, et son utilisation de la narration – dans le cadre de leur thérapie de conseil en couple – est inspirée. Les deux protagonistes ont reçu des nominations aux Oscars, tout comme Laura Dern en tant qu’avocate astucieuse et vicieuse de Johansson.

Kevin (Jaeden Martell) et Hunter (Adrian Greensmith) prennent leur musique au sérieux lorsqu’ils participent à une compétition Battle of the Bands dans Metal Lords.

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Une histoire de passage à l’âge adulte inhabituellement délicieuse au lycée, Metal Lords (2022) est un grand film à câliner, avec, étonnamment, un peu de marteau. Le fan de métal aux cheveux longs Hunter (Adrian Greensmith) et son meilleur ami improbable, le ringard Kevin (Jaeden Martell, de It and Knives Out), forment un groupe ensemble. Kevin s’entraîne à jouer sur une batterie complète après avoir joué un seul tambour dans la fanfare de l’école.

Après une dispute avec l’intimidateur de l’école, Hunter les inscrit impulsivement au concours Battle of the Bands, mais ils ont besoin d’un bassiste. Entrez Emily, une étudiante écossaise qui est expulsée de l’orchestre de l’école, mais qui est en fait une brillante violoncelliste. Kevin essaie de convaincre Hunter d’autoriser Emily dans le groupe ("pas de Yoko Onos!"), Alors que de nombreux autres obstacles surgissent avant le grand spectacle. C’est peut-être quelque chose de familier, mais c’est suffisamment vivant et "métal" pour être brut selon ses propres termes.

boueux

Florence Jackson (Mary J. Blige) est la matriarche d’une ferme du Mississippi à la fin de la Seconde Guerre mondiale dans Mudbound de Dee Rees.

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Suite de Dee Rees à son remarquable premier Pariah, l’excellent Mudbound (2017) est comme Autant en emporte le vent pour l’ère du streaming, une tranche d’Americana, épique, mais intime. Il est basé sur un roman d’Hillary Jordan et met en vedette Carey Mulligan, Jason Clarke, Jason Mitchell et Jonathan Banks. L’histoire suit deux familles d’agriculteurs, une noire et une blanche, pendant plusieurs années pendant et autour de la Seconde Guerre mondiale.

Dans un fil d’intrigue crucial, un membre de chaque famille, Jamie (Garrett Hedlund) et Ronsel (Jason Mitchell), revient de la guerre ; ils forment une amitié improbable, à la grande colère du reste de la communauté. (Ronsel est obligée de se baisser sur le siège avant du camion de Jamie pour éviter d’être vue dans un lieu d’égalité.) Mary J. Blige vole le film dans son rôle de mère de Ronsel, une sage-femme forte et attentionnée qui regarde derrière des lunettes de soleil, et a reçu une nomination pour la meilleure actrice dans un second rôle (ainsi qu’une pour la meilleure chanson).

De nombreux personnages racontent leurs rêves intérieurs, leurs espoirs et leurs peurs en voix off chuchotées, ajoutant une poésie à la Malick aux images. Le film de 134 minutes se concentre sur de petits incidents, liés soit à la survie dans les terres agricoles boueuses, soit au racisme profond et effrayant de cette époque et de cet endroit, et ne se sent jamais trop surchargé ou trop long.

Okja

Mija (Ahn Seo-hyun), vue avec sa jumelle Tilda Swinton, tente de sauver sa bête spéciale ressemblant à un cochon dans Okja de Bong Joon-ho.

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Le réalisateur coréen Bong Joon-ho est devenu un nom familier après avoir remporté plusieurs Oscars pour son grand Parasite. Son film précédent, Okja (2017), all-star lisse et international, contient certains des mêmes thèmes; c’est-à-dire l’humanité en tant que monstres. C’est peut-être son travail le plus occupé, mais le plus ludique, offrant des rires, des sensations fortes, des visuels étranges et des réflexions déconcertantes sur la nourriture.

La PDG Lucy Mirando (Tilda Swinton) a développé une sorte de super-cochon conçu pour soulager la faim dans le monde et renforcer l’image de son entreprise. Les porcs ont été envoyés aux quatre coins du monde pour être élevés selon des méthodes locales, pour voir ce qui fonctionne le mieux. Une jeune fille de la Corée rurale, Mija (Ahn Seo-hyun), est clairement la gagnante, mais elle s’est également liée avec son cochon, Okja. Quand Okja est récupérée et expédiée en ville, elle suit, comme une héroïne d’action de la taille d’une pinte.

Elle rencontre un groupe d’éco-terroristes appelé Animal Liberation Front (membres joués par Paul Dano, Lily Collins et d’autres), qui ont un plan. Shirley Henderson et Giancarlo Esposito co-star, et Swinton a un double rôle en tant que sa propre sœur jumelle, mais Jake Gyllenhaal vole la vedette en tant qu’animateur de télévision extravagant, dans la performance la plus loufoque qu’il ait jamais donnée.

Opération Viande hachée

John Madden (Shakespeare amoureux) réalise Operation Mincemeat (2022), une histoire de la Seconde Guerre mondiale trop statique et qui repose trop sur le dialogue et l’exposition, mais l’histoire elle-même est si bizarre et le film est si bien joué qu’il vaut la peine d’être vu.

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En 1943, les forces alliées devraient envahir la Sicile. Mais le problème est que les Allemands s’y attendent et seront sûrement là pour contrer l’attaque. Ainsi, le capitaine de corvette Ewen Montagu (Colin Firth) fait partie d’une équipe secrète dont le travail consiste à mettre sur pied une ruse qui convaincra les Allemands que les Alliés ont en fait l’intention d’envahir la Grèce. La ruse implique de faux papiers, un cadavre et un nombre illimité de pièces de puzzle étranges qui doivent être assemblées à la perfection, le temps presse.

Oh, et un autre membre de l’équipe d’Ewan n’est autre que le jeune Ian Fleming (Johnny Flynn), qui allait écrire une série de livres sur un agent secret nommé James Bond! Matthew Macfadyen, Kelly Macdonald et Jason Isaacs jouent également.

L’autre côté du vent

Peter Bogdanovich et John Huston sont les vedettes du dernier film "perdu" d’Orson Welles, The Other Side of the Wind.

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Après avoir réalisé Citizen Kane à l’âge de 25 ans, Orson Welles n’a plus jamais eu la tâche aussi facile. Il a fait 12 autres films, et bien qu’ils soient tous géniaux, ils ont subi des budgets de plus en plus petits et des productions plus aléatoires. Il a passé les dernières années de sa vie, jusqu’à sa mort en 1985, à essayer de trouver de l’argent pour terminer ses nombreux projets inachevés. Le principal d’entre eux était The Other Side of the Wind (2018), sur un cinéaste de 70 ans (John Huston) essayant de terminer un film entouré de personnes qui l’admirent ou le trahissent.

Extrêmement étrange et arty, mais incroyablement inventif et envoûtant, le film a été tourné entre 1970 et 1976 et était plus ou moins achevé – trois séquences ont même été montées – mais des sections du film appartenaient à différents financiers et personne ne pouvait s’entendre sur la façon de rassemblez le tout. Le cinéaste Peter Bogdanovich, qui apparaît également dans le film, a passé des décennies à se battre pour lui. Finalement, la puissance de Netflix a scellé l’affaire et un miracle s’est produit: un nouveau film d’Orson Welles est arrivé. Voir aussi le documentaire d’accompagnement essentiel de Morgan Neville, They’ll Love Me When I’m Dead.

La perfection

Deux brillantes violoncellistes, Lizzie (Logan Browning) et Charlotte (Allison Williams), se retrouvent dans une amitié, et dans une compétition féroce, dans The Perfection.

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Sorte de thriller d’horreur avec des éléments humoristiques et une structure ludique, The Perfection (2019) est centré sur deux brillantes violoncellistes, Charlotte (Allison Williams, de Get Out) et Lizzie (Logan Browning, de la série Netflix Dear White People). Lorsque l’aînée Charlotte a été forcée de quitter sa formation pour s’occuper de sa mère malade, la jeune Lizzie est devenue la nouvelle star. Mais après la mort de la mère de Charlotte, elle revient au bercail, menant ainsi à une symphonie sinueuse de passion et de vengeance, racontée à travers des mesures intelligentes et temporelles.

Steven Weber joue leur professeur qui a une salle si parfaite acoustiquement que seuls les étudiants les plus spéciaux y sont invités. Le réalisateur Richard Shepard, un cinéaste criminellement sous-estimé, apporte une touche vive, intelligente et agile, se déplaçant facilement entre un suspense captivant et une comédie brillante d’une manière presque hawksienne.

Vie privée

Rachel (Kathryn Hahn) et Richard (Paul Giamatti) sont prêts à tout, même une mère porteuse, pour avoir un bébé dans Private Life.

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La réalisatrice Tamara Jenkins nous a donné pour la dernière fois The Savages (2007) et a remporté une nomination à l’Oscar du meilleur scénario, mais pour une raison quelconque, n’a pas ou n’a pas pu faire de suivi jusqu’à l’excellent Private Life (2018), 11 ans plus tard. Paul Giamatti et Kathryn Hahn jouent un couple new-yorkais d’âge moyen, Richard et Rachel, essayant toutes les méthodes imaginables pour avoir un bébé, oscillant entre les centres d’adoption et les traitements de fertilité, jusqu’à ce qu’ils trouvent un plan.

Mal à l’aise avec l’idée d’un donneur d’ovules anonyme, leur sorte de nièce Sadie (Kayli Carter) – l’enfant de la femme du frère de Richard issue d’un ancien mariage – commence à ressembler à une bonne candidate. À leur grande joie, Sadie accepte, mais les retombées commencent alors. Jenkins est brillant pour jongler avec les émotions indisciplinées des gens intelligents et rendre en quelque sorte leurs histoires universelles, drôles et déchirantes. C’est un film merveilleux. John Carroll Lynch, Molly Shannon et Denis O’Hare co-star.

Le pouvoir du chien

Peter (Kodi Smit-McPhee, à gauche) forme un lien étrange avec son oncle par mariage, le cow-puncher inconditionnel Phil (Benedict Cumberbatch) dans The Power of the Dog de Jane Campion.

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L’actrice oscarisée Jane Campion (The Piano) revient avec son premier long métrage depuis Bright Star en 2009 (elle avait passé du temps à travailler sur la série Top of the Lake). Le western The Power of the Dog, basé sur un roman de 1967 de Thomas Savage, montre que Campion n’a rien perdu de sa puissance. Elle utilise le paysage, et même la terre elle-même, pour raconter cette histoire primitive et sauvage. Les frères Cain et Abel sont le mâle alpha Phil (Benedict Cumberbatch), qui ne se baigne qu’occasionnellement et utilise son vaste vocabulaire traînant et ses yeux d’acier pour abattre les autres, et George (Jesse Plemons) à la voix douce et nette. dont les mots soigneusement choisis le font paraître simple.

Les deux dirigent un empire de bétail prospère et, lors d’une promenade en voiture, Phil ridiculise le jeune Peter mince et non masculin (Kodi Smit-McPhee), qui attend à leur table dans une auberge. George réconforte la mère désemparée du garçon, Rose (Kirsten Dunst ), et finit par l’épouser. De retour au ranch, les jeux de pouvoir s’intensifient, avec des actes subtils et des moments déchirants, des victoires se transformant en défaites, avec la torsion d’une corde.

Rome

Maid Cleo (Yalitza Aparicio) partage un moment de réflexion dans Roma d’Alfonso Cuarón.

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Roma (2018) d’Alfonso Cuarón a été le film de son année et est peut-être le meilleur des films originaux de Netflix à ce jour. C’est une belle méditation en noir et blanc sur les années d’enfance du cinéaste au Mexique (en espagnol et mixtèque, avec sous-titres anglais). Il se concentre sur Cleo (Yalitza Aparicio), la bonne d’une famille aisée, au cours d’une année au début des années 1970. Le mari de la famille part pour une autre femme, et la femme (Marina de Tavira) essaie de tout garder ensemble, tandis que Cleo se retrouve enceinte et que son petit ami est parti.

Avec une cinématographie et une conception sonore vastes mais complexes et exquises, Cuarón équilibre les pressentiments sombres, les moments de légèreté et de joie et les tragédies choquantes, avec un sens de la vraie poésie. Comme pour Gravity, oscarisé par le réalisateur, il s’agit d’une étonnante merveille visuelle et technique, mais aussi, comme une autre des histoires de jeunes femmes de Cuarón, A Little Princess, c’est délicat et affectueux. Une ode à la fois au cinéma passé et futur, il atteint les niveaux atteints par Welles, Kubrick et d’autres maîtres – et y arrive.

Le procès du Chicago 7

Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen) et Jerry Rubin (Jeremy Strong) se rendent au tribunal dans le procès d’Aaron Sorkin des Chicago 7.

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Le récit long et complexe d’Aaron Sorkin sur le procès qui a suivi les événements de la Convention nationale démocrate de 1968 est une machine étonnamment bien huilée. Il se déplace habilement – et est même drôle – alors que le dialogue de mitrailleuse de marque de Sorkin frappe proprement à travers les détails. Sorkin a peut-être changé certains faits ici et là, mais en tant que film dramatique, The Trial of the Chicago 7 (2020) fonctionne toujours comme des gangbusters.

L’essentiel est que les républicains nouvellement habilités veulent faire d’un groupe de manifestants pacifiques et libéraux un exemple et évoquer un énorme procès basé sur des «crimes» ridicules. Sacha Baron Cohen vole la vedette en tant que tête d’affiche Abbie Hoffman, mais l’ensemble du casting est excellent, surmontant le scénario et la direction rapide de Sorkin (beaucoup plus pointus que dans ses débuts en tant que réalisateur Molly’s Game). Frank Langella est particulièrement fort en tant que juge sinistre et malveillant Julius Hoffman, tandis que le traitement réservé au membre de Black Panther Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II) est toujours aussi choquant.

Source d’enregistrement: techhive.com